L'arte può davvero fare la differenza?

L'arte può davvero fare la differenza?
Still from Human Flow, diretto da Ai Weiwei.
IMDB / Amazon Studios

In 1936 Karl Hofer ha dipinto il lavoro che meglio racchiude il dilemma degli artisti tedeschi nella prima metà del 20esimo secolo. Kassandra è una cupa visione della profetessa dell'antica Troia, condannata a prevedere sempre il futuro e destinata a non essere mai creduta. In 2009 è stato esposto a Kassandra: Visionen des Unheils 1914-1945 (Cassandra: Visions of Catastrophe 1914-1945) al Deutsches Historisches Museum di Berlino e il suo messaggio mi ha perseguitato da allora.

La mostra includeva alcuni tra i migliori dell'arte tedesca degli 1920, quando molti intellettuali, specialmente quelli che lavoravano nelle arti, prevedevano l'estensione dell'incubo nazista che sarebbe diventata la nuova normalità. Alcuni hanno riconosciuto quello che stavano vedendo e hanno lasciato il paese. La maggior parte ha sperimentato le conseguenze dell'incredulità. Commento del commediante britannico Peter Cook su "quei meravigliosi cabaret di Berlino che hanno fatto così tanto per fermare l'ascesa di Hitler e prevenire lo scoppio della seconda guerra mondiale"È spesso citato come la prova che l'arte è un commento futile di fronte alla crescente tirannia.

Eppure gli artisti persistono nel mettere in discussione le presunte conoscenze nei loro tentativi di risvegliare la coscienza del mondo. Gli artisti possono diventare testimoni per il perseguimento dei crimini dei nostri tempi, oltre a consentire ad alcuni spettatori di vedere il mondo in modo diverso.

La futilità dell'arte?

Prima dell'inizio del 19esimo secolo la guerra veniva comunemente descritta come un'avventura eroica, mentre la morte era sia nobile sia sorprendentemente esangue. Poi venne Goya con il suo Disastri di guerra per mostrare l'orrore pieno di ciò che Napoleone inflisse alla Spagna. L'arte ha mostrato, per la prima volta, la sofferenza degli individui di fronte al potere militare. Dopo la guerra Goya non potrebbe mai essere vista come una vera avventura eroica.

Un secolo dopo Otto Dix, che si offrì volontario per la prima guerra mondiale e ricevette una Croce di ferro per il suo servizio sul Fronte occidentale, fu detestato dai nazisti per la sua serie di incisioni 1924, Der Krieg (La guerra). Lavorando coscientemente nella tradizione di Goya, disegnò le evocazioni più intense degli orrori pieni delle sue esperienze nelle fangose ​​trincee sanguinose dove i matti vagavano e i papaveri fiorivano dai crani dei morti.

Il duro realismo di Dix era incompatibile con qualsiasi propaganda sulla morte come gloria. Il suo dipinto 1923, Die Trench (distrutto durante la seconda guerra mondiale), fu immediatamente condannato dal partito nazista come arte che "Indebolisce la necessaria preparazione interiore alla guerra del popolo". Un Cassandra davvero.

L'intensità della risposta di Dix a quel primo terribile conflitto dell'20esimo secolo è diventata un'ispirazione per l'arte più recente sulla guerra e le sue conseguenze, compresa quella di Ben Quilty e George Gittoes. Quilty di Dopo l'Afghanistan serie, che proviene dal suo lavoro come artista di guerra ufficiale australiano, presenta il trauma in corso dei soldati restituiti dal continuo atto di futilità militare.

Sia l'arte di Quilty che quella di Gittoes incoraggiano l'empatia con individui catturati in guerra, ma in nessun modo sfidano le politiche che portano a conflitti violenti. L'esercito australiano continua a sostenere la nostra tradizione nazionale di combattere nelle avventure militari di altre persone.

La futilità dell'arte come arma di protesta sembra essere confermata dalla più famosa pittura contro la guerra di tutti loro, quella di Picasso Guernica, dipinto per il padiglione spagnolo della Fiera Mondiale di Parigi 1937. Ad aprile 26, 1937, le forze tedesche e italiane hanno bombardato la città basca di Gernika a sostegno della conquista della Spagna da parte del generale fascista Franco. Guernica è stata dipinta con tutta la forza del dolore crudo, da un artista che sapeva bene che stava lavorando nella tradizione polemica di Goya e Dix.

La sua enorme scala, disegnata con linea appassionata e dipinta con deliberata sottile pittura a striature in nero, bianco e grigio per onorare la carta da giornale che per prima ha raccontato la storia, significa che anche ora, dopo 80 anni dopo che è stata dipinta, ha ancora la capacità di shock.

In 1938, nello sforzo di raccogliere fondi per la causa spagnola, Guernica ha visitato la Gran Bretagna dove, a Manchester, è stata inchiodata al muro di uno showroom automobilistico in disuso. Migliaia di persone si accalcarono per vederlo, ma senza successo. Il governo britannico ha rifiutato di intervenire. In 1939 il vittorioso Franco diede alla Spagna un regime fascista che terminò completamente con la sua morte in 1975.

Negli anni successivi alla seconda guerra mondiale le riproduzioni di massa di Guernica con il suo forte messaggio contro la guerra sono apparse nelle aule scolastiche di tutto il mondo. Coloro che l'hanno visto sono stati una parte della generazione che ha visto gli Stati Uniti bombardare il Vietnam, la Cambogia e il Laos.

La crisi dei nostri tempi

La grande crisi dei nostri tempi, i cambiamenti climatici causati dall'uomo, ha già ha avuto un ruolo nelle guerre e nella carestia accanto ai soliti fattori sociali e politici. L'effetto di questi disastri è stata una migrazione di massa globale di rifugiati. Questa diaspora è uno dei temi della corrente Biennale di Sydney.

Tre delle sette sedi della Biennale sono dominate dal lavoro di Ai Weiwei, che negli ultimi anni si è trasformato dall'uso della sua estetica iconoclasta per esporre la corruzione in Cina alla sofferenza globale di milioni di persone. La sua gigantesca scultura, Law of the Journey, evoca le numerose zattere che sono arenate sulle rive del Mediterraneo. Alcuni trasportano il loro carico umano a padroni di casa inospitali, altri a fondersi lungo la strada. Molti annegano cercando di sfuggire a una sorta di futuro. Ai Weiwei ha posto una folla affollata di rifugiati anonimi nella sua gigantesca barca, in modo che lo spettatore abbia la sensazione dell'enormità di tutto ciò.

Mentre si adatta così bene allo spazio cavernoso della Powerhouse sull'isola di Cockatoo, Law of the Journey era originariamente un lavoro site-specific per Galleria Nazionale di Praga in Cecoslovacchia, un paese che una volta ha inviato rifugiati nel mondo e ora rifiuta di riceverli. Intorno alla base della barca ci sono iscrizioni che commentano gli atteggiamenti che hanno portato a questa tragedia internazionale. Si va dalla richiesta di Carlos Fuentes di "riconoscersi in lui e lei che non sono come te e me", all'eroe letterario e politico ceco Václav Havel.

Da 1979 a 1982, quando era in prigione, Havel ha scritto lettere a sua moglie, Olga. A causa dei termini della sua detenzione, questi non potevano essere apertamente polemici. Tuttavia scrisse un notevole commento sulla natura dell'umanità moderna, che fu poi pubblicato. La sua osservazione: "La tragedia dell'uomo moderno non è che lui sappia sempre meno sul significato della propria vita, ma che lo infastidisce sempre meno", è qui appropriatamente collocato.

C'è un senso di ambiguità in quello che è davvero un pezzo da compagnia, situato nell'intimità di Artspace. Una gigantesca sfera di cristallo poggia su un letto di giubbotti di salvataggio sbiaditi, scartati sulle rive di Lesbo. Implica che il mondo è al bivio. I governi e le persone devono decidere quale direzione seguire in un momento di crisi.

L'arte come testimone

Il film di Ai Weiwei, Flusso umano, presenta quella crisi in un modo che non può essere negato. La sua prima proiezione australiana alla Sydney Opera House è stata parte della Biennale di Sydney, ma ora è distribuita in versione generale. È al tempo stesso travolgente nel suo impatto e deliberatamente internamente contraddittorio.

Ci sono splendidi panorami bellissimi di un tranquillo Mar Mediterraneo - che poi ingrandiscono una barca di gomma riempita di figure arancioni rivestite di vita, tutti a rischio di vita per andare in un sogno dell'Europa. Mentre le persone vengono aiutate a riva sulle spiagge rocciose di Lesbo, un passeggero racconta delle barche che seguono e la sua paura che non arriveranno a causa delle rocce. Così tanti muoiono in mare. C'è una terribile bellezza nel fumo fluttuante dei campi di petrolio in fiamme che l'ISIS ha lasciato come eredità a Mosul, e magnifiche tempeste di polvere filmate in Africa dove i cambiamenti climatici continuano a spingere molti dalle loro terre.

Per gli australiani, ci sono echi della crudeltà del nostro governo negli atteggiamenti e nelle azioni dei governi di Macedonia, Francia, Israele, Ungheria e Stati Uniti. Il film sostiene che oggi ci sono circa 65 milioni di rifugiati, la maggior parte dei quali spenderà per 20 anni senza una casa permanente. Il grande progetto umanitario dell'Europa post-seconda guerra mondiale, che ha dato un futuro ai suoi rifugiati, si è concluso con filo spinato, gas lacrimogeni e affogamenti in mare.

Siamo a una di quelle volte nella storia umana in cui la risposta semplicistica a un problema crea solo disastro. Trasformare le persone ai confini o riportarle in una casa non sicura crea un'altra lunga marcia, o più annegamenti. Creare un esercito di giovani senza speranza è una ricetta per il reclutamento di ISIS e dei loro successori. Le persone che vedono un futuro per se stessi e per i loro figli hanno meno probabilità di diventare kamikaze.

Human Flow sostiene che in definitiva la responsabilità del problema (e della soluzione) per i rifugiati risiede in quei presidenti e quei parlamenti che non vedono alcun bisogno di adattarsi al mondo che cambia.

Questa arte non cambierà le politiche disumane dell'Australia verso i richiedenti asilo. La notte della premiere dell'Opera House di Sydney, Ben Quilty ha chiesto ad Ai Weiwei se sentisse che il suo film potrebbe fare la differenza. La sua risposta fu: "Per un brevissimo momento, forse."

Il valore ultimo di Human Flow è come una testimonianza se mai i governi sono chiamati a rendere conto della loro follia. Ai Weiwei ha raccolto materiale per mostrare a un pubblico di massa che ha le prove per condannare i nostri tempi di grande negligenza verso l'umanità. È una moderna Cassandra, che dice la verità al potere attraverso l'arte. I potenti poi ammirano le qualità estetiche della sua arte mentre la collocano nelle raccolte d'arte ufficiali di tutti quei paesi che preferiscono non vedere ciò che sta cercando di dire.

Ponti culturali

Altri artisti della Biennale adottano un approccio leggermente diverso e forse più sottile. Tiffany Chung, che ha lasciato il Vietnam come rifugiato nel grande esodo degli 1970, è presente anche a Artspace. Il suo meticoloso ricamo di una mappa del mondo traccia le rotte del popolo di barca dal Vietnam e dalla Cambogia, mentre la documentazione di accompagnamento mostra come sono stati ricevuti con lo stesso livello di sospetto che saluta i rifugiati di oggi.

Le attuali case di Chung negli Stati Uniti e in Vietnam ricordano che quei paesi che aprono il cuore ai rifugiati possono beneficiare della loro presenza e che, nel tempo, molti conflitti finiscono in riconciliazione. Sta chiedendo troppo all'arte di aspettarsi che cambi le politiche del governo o il destino umano, perché l'esperienza di vedere l'arte è così individuale. È possibile che l'arte possa cambiare l'atteggiamento delle persone nei confronti della vita, ma è più probabile che accada su base individuale.

In un grande capannone di stagno, in cima a Cockatoo Island, Khaled Sabsabi's installazione Bring the Silence continua una traiettoria iniziata molto tempo fa - onorando la tradizione creativa del Sufismo e usandola come un percorso tra culture. Anche prima di entrare nel capanno, il visitatore nota l'allettante profumo dei petali di rosa. All'interno del buio, l'odore delizioso è quasi travolgente, mentre il pavimento è ricoperto da tappeti provenienti da quella casa di tutto ciò che è buono nello shopping del Medio Oriente, Auburn nella periferia occidentale di Sydney. Lo spettatore è circondato dal chiacchiericcio sommesso del rumore della strada mentre viene sedotto dall'intensità del colore dei giganteschi schermi sospesi e dall'odore delle rose.

Bring the Silence è un video a otto canali con ogni schermo che mostra una visione diversa di una tomba di Delhi, il santuario del grande santo sufi, Muhammad Nizamuddin Auliya. Alcuni uomini gettano petali di rosa e tessuti di seta dai colori vivaci sul tumulo che contiene il suo corpo, mentre altri pregano. Le donne e i non credenti non sono ammessi in questo spazio sacro; Sabsabi ha dovuto chiedere un permesso speciale per filmare. Muhammad Nizamuddin Auliya era uno dei santi medievali più generosi che vedeva che l'amore di Dio portava all'amore per l'umanità e alla devozione spirituale unita alla gentilezza.

Sabsabi ha trascorso molti anni ad esplorare questa gioiosa tradizione di tutte le tradizioni islamiche. A quelli nella sua casa nella periferia occidentale di Sydney, mostra come l'arte possa attraversare le barriere culturali tra gli australiani musulmani e non musulmani. Per i non musulmani offre una finestra su un aspetto dell'Islam che è al tempo stesso creativo e mistico, oltre che più accetto rispetto all'immagine della fede regolarmente denunciata dagli shock-shock.

Quella stessa difesa visiva è il motivo per cui non sorprende che Sabsabi stia esibendo ad Adelaide presso Waqt al-tagheer: tempo di cambiamento. Gli artisti, che si chiamano undici, rappresentano la diversità dell'Australia islamica mentre sfidano gli stereotipi attraverso la varietà della loro arte. La loro strategia espositiva è modellata su quella del collettivo aborigeno di grande successo ProppaNOW, che per il passato 15 ha collaborato per proiettare le preoccupazioni e l'arte degli aborigeni urbani. Il loro successivo successo come artisti è stato sia individuale che collettivo. Altrettanto importanti hanno supervisionato uno spostamento di atteggiamenti riguardo a ciò che potrebbe essere una persona aborigena.

La trasformazione attraverso l'arte non riguarda solo gli oggetti. In Tasmania, l'eccentrica creazione di David Walsh di MONA è stato accreditato come l'elemento più importante nella rinascita delle fortune di quello stato. Non è l'unica ragione - le isole verdi nei climi temperati sono sempre più attraenti come il mondo si scalda - ma anche i più cinici ammetteranno il i cambiamenti ha operato attraverso l'arte.

The ConversationI cambiamenti artistici e i suoi professionisti non sono istantanei. Il ministro degli Interni Peter Dutton non invertirà il suo atteggiamento nei confronti dei rifugiati in seguito al vedere Human Flow. Ma non è necessariamente il pubblico di destinazione. Ai Weiwei ha scritto: "L'arte è una pratica sociale che aiuta le persone a localizzare la propria verità"Forse è tutto ciò che possiamo chiedercelo.

Circa l'autore

Joanna Mendelssohn, professore associato onorario, arte e design: UNSW Australia. Editor in Chief, Design and Art of Australia Online, UNSW

Questo articolo è stato pubblicato in origine The Conversation. Leggi il articolo originale.

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